Rewind: Klassiker, neu gehört
Boards Of Canada – Music Has The Right To Children (1998)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 05.09.2018
Die definitiven Superstars der Electronica? Boards Of Canada! Das Mystery-Bruderpaar aus Schottland – Michael Sandison and Marcus Eoin – daddelte in den 1990er-Jahren erst ein paar Jahre vor sich hin, startete dann auf SKAM durch und wurde auf Warp zu einer musikalischen Ikone. „Music Has The Right To Children“ erschien ebenda, 1998. Das erste „Album“ war kaum mehr als eine Compilation, die dennoch wichtiger nicht hätte sein können. So wurde der introvertierte Sound-Entwurf der Boards in die große weite Welt katapultiert und rumort seitdem heftigst, auch wenn neue Veröffentlichungen rar und immer seltener werden. Boards Of Canada stehen heute für einen vollständig eigenen Sound-Entwurf, der zwischen Verschwörungstheorien und ganz persönlicher Nostalgie oszilliert – eine Steilvorlage für alle Beteiligten. Martin Raabenstein und Thaddeus Herrmann hören sich durch die Tracks und Samples, die erst mit einer Prise virtuellem LSD richtig gut werden, holen den Radioempfänger aus dem Keller, um die Number Stations zu checken und fragen sich 20 Jahre später, welche Relevanz solche Entwürfe für die Musik von heute noch haben. Ein Mashup bringt Licht ins Dunkel der popkulturellen Grobkörnigkeit.
Martin Raabenstein: Mit „Music Has The Right To Children“ lauschen wir dem exakten Gegenentwurf zu Massive Attacks „Mezzanine“ von neulich, sozusagen dem Laurel zum Hardy. Diesem sexy aber gleichwohl im dunkelsten Dunkel fischenden Projekt wird hier Ironie, Wortspiel, Zahlenmythologie und nahezu kindliche Naivität entgegengesetzt. Das ist Psychedelic in Mikrodosierung. Bemerkenswerter Weise diskutiert man heute, 20 Jahre später, über LSD für die Massen, in wohl dosierter Globuli-Darreichung.
Thaddeus Herrmann: Gegenentwurf? Eher nicht. Ich kann mir beim besten Willen nicht vorstellen, dass es da Berührungspunkte gab und Telefonnummern gespeichert wurden. Wir haben es hier ja auch gar nicht mit einem Album zu tun, sondern vielmehr mit einer Compilation. Aufgepeppt und rund gemacht, mit neuen Stücken ergänzt, aber es ist letztlich doch nur eine Compilation. Die beiden schottischen Brüder ordnen hier ihr Frühwerk. Das ist gut, weil es zuvor ziemlich zerfasert vorlag und viele der Platten ohnehin nicht verfügbar waren. Die „High Scores“-EP auf SKAM war zuvor erschienen. Das Label aus Manchester durchlebte damals den Hype der Hypes und davon profitierten auch die Boards Of Canada. Und dann kam Warp um die Ecke. Ich möchte gerne etwas aus dem Pressezettel von damals zitieren: „Eine Sammlung schon bekannter und bisher unveröffentlichter Tracks. Michael und Marcus liefern einen kleinen Ausblick auf Ende 1998, wenn ein neues Studioalbum von Boards Of Canada das Licht der Öffentlichkeit erblicken wird. Boards Of Canada bewegen sich in einer Welt von Kraftwerkscher Schönheit, kühler Ästhetik und des perfekt gesetzen Beats.“
Dazu fällt dir doch bestimmt was ein? Details »
Published on 05/09/2018 15:03.
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Rewind: Klassiker, neu gehört
Massive Attack – Mezzanine (1998)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 29.08.2018
Massive Attack gelten als TripHop-Ikonen. Die Musiker aus Bristol legten gut vor: Ein kuddelmuddeliges Kollektiv von DJs und Beatmakern produzierte mit „Blue Lines“ und „Protection“ zwei Alben, die sich in das gemeinschaftliche Gedächtnis der Popkultur eingebrannt haben – nicht nur wegen der zahlreichen Features von der Reggae-Legende Horace Andy oder Tracey Thorn, einer der besten Sängerinnen der Welt. 1998 – vor 20 Jahren – wendete sich das Blatt: Die LP „Mezzanine“ steht für einen radikalen Wandel im Sound des Projekts. Düster-schimmernd – und ohne Tricky – setzt die Band die kommerziell erfolgreichsten Akzente ihrer Karriere. Aber wie passt dieser Entwurf in die Geschichte von Massive Attack? Ein Aufbruch zu neuen Ufern oder doch nur musikalische Ratlosigkeit, verpackt in rockige Downbeats? Ist die „Unfinished Symphony“ von 1991 endgültig ausgeträumt? Martin Raabenstein und Thaddeus Herrmann hören das Album 20 Jahre später durch, schwärmen und schwofen zu den großen Singles der Platte und stellen die Frage aller Fragen: Ist Nostalgie tödlich?
Martin Raabenstein: „Mezzanine“, schöne Erinnerungen an das auslaufende, letzte Jahrtausend. Dark, kräftig und ohne das Tricky-GnaGnaGna. Herrliches Highlight das, Herr Herrmann, oder nicht?
Thaddeus Herrmann: Ja, so halb. Bei mir ist es so: Die beiden ersten Alben des Projekts – „Blue Lines“ und „Protection“ – finde ich von A-Z fantastisch. Das sind super Songs, die dazu noch super sequenziert sind. Die Platten funktionieren wie ein DJ-Mix. Hier, auf „Mezzanine“ ist alles etwas anders. Zuerst hat sich das Projekt im Sound gewandelt. Dazu sprechen wir später bestimmt noch. Vor allem aber wird die starre Darreichungsform aufgebrochen. Und diese Tatsache ist dafür verantwortlich, dass ich keine ganz eindeutige Haltung zu diesem Album habe. Das geht alles wunderbar los – mit „Angel“ und dem wunderbaren Horace Andy, der ja auch schon auf den ersten beiden Alben dabei war, und natürlich „Teardrop“ mit der unfassbaren Elizabeth Fraser. Aber es zerfasert danach ein wenig. Meinem Empfinden nach gelingt es nicht, den Spannungsbogen zu halten. Und auch wenn nur elf Tracks drauf sind – vollkommen im Rahmen –, kam es mir beim Durchhören einfach unglaublich lang vor. Also: Das nicht auf den Punkt kommen wollende Album hört auch einfach nicht auf. Details »
Published on 04/09/2018 12:43.
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Front 242 – Front By Front (1988)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 30.07.2018
Wenn es um den stampfenden Maschinen-Beat der Prä-Techno-Ära geht, sind Front 242 ausgemachte Helden. Daniel Bressanutti und Dirk Bergen gründeten die Band 1981 in Belgien – als Patrick Codenys, Sänger Jean-Luc De Meyer und der MC Richard Jonckheere aka Richard 23 dazu stießen, rollte die EBM-Welle unaufhörlich auf Erfolgskurs. Diese „Electronic Body Music“ florierte nicht nur, aber vor allem in Belgien – auf einigen wenigen Labels wurden in den 1980er-Jahren die stilprägenden Platten ebenso stilprägender Bands veröffentlicht. 1988 – als „Front By Front“ erschien, war EBM schon global gelebte musikalische Ausdrucksform. Ein Sound, der aber auch Gefahr lief, vom Techno absorbiert zu werden. Dem Sound aus Detroit hatten Front 242, Skinny Puppy, à;GRUMH… und Nitzer Ebb nur wenig bzw. das Falsche entgegen zu setzen. Die Szenen begannen zu verschmelzen und sich abzulösen. 1988 hingegen gingen Front 242 noch steil: Mit ihrem vierten Album legten die Belgier einen Sound-Entwurf vor, der in der Vergangenheit, der Gegenwart und der versprochenen Zukunft verankert war. Straffe Beats, erstaunliches Songwriting und immer noch ein Händchen für Sampling retteten dieses Album problemlos über die Ziellinie des guten Geschmacks all derer, die die Revolution des 4/4-Geschäfts noch nicht wahrhaben wollten. Und heute? 30 Jahre später ziehen Martin Raabenstein und Thaddeus Herrmann ihre Tarnwesten über, werfen ihre Netze aus und suchen nach dem „Headhunter“ des guten Geschmacks.
Martin Raabenstein: Sieht man von den deutschen Projekten D.A.F, Einstürzende Neubauten und Die Krupps Anfang der Achtziger mal ab, hat Kontinentaleuropa Mitte dieses Jahrzehntes nur noch wenig auf der elektronischen Pfanne. Front 242 waren die Letzten, die noch erfolgreich und innovativ den von Ralf Hütter geprägten Terminus Electronic Body Music hoch über ihren Köpfen schwenkten. Mit dem Track „Headhunter“ von „Front By Front“ turnten die Belgier sogar in den US Billboard Charts ziemlich weit oben. Wie erklärt sich dieses Alleinstellungsphänomen?
Thaddeus Herrmann: Dem stimme ich schon mal überhaupt nicht zu. Die „elektronische Pfanne“ brutzelte – um mal im Bild zu bleiben – heftigst. Die letzten waren sie also sicher nicht. Aber das gesamte Genre der EBM war zu diesem Zeitpunkt, also 1988, dabei sich zu wandeln. Front 242 waren zu diesem Zeitpunkt ja schon lange aktiv und schwammen im Strom der belgischen Bands und Projekte mit, waren dabei aber wahrscheinlich die Erfolgreichsten. Ich finde das Album interessant, weil es diesen Umbruch in ihrem Sound so explizit herausstellt. Tracks wie „Headhunter“ oder „Circling Overland“ sind ganz klassisch 242 – „Headhunter“ dazu noch der vielleicht größte Hit der Gruppe, was nicht zuletzt auch auf das Eier-Video von Anton Corbijn zurückzuführen ist. Gleichzeitig hört man hier aber zum ersten Mal wirklich den Techno heraus. Da spielt der New-Beat-Einfluss mit rein. Hier vermischten sich Szenen. Es wurde also technoider. Und das – ganz ehrlich – fand ich immer schwierig. Weil es zumindest auf Platte für mich nicht so recht funktionierte. Ganz anders als live. Warum ging „Headhunter“ nun so durch die Decke? Erstens: guter Song. Zweitens: Die Band hat sich das ja auch erpinselt – mit Tracks wie „Quite Unusual“ oder „Masterhit“ im Jahr davor und endloses Touren. Details »
Published on 30/07/2018 13:14.
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Public Enemy – It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back (1988)t
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 16.07.2018
Chuck D, Flavor Flav, Professor Griff, Khari Wynn und DJ Lord zählten mit ihrem zweiten Album die US-amerikanische Gesellschaft und die HipHop-Welt gleichermaßen an. Bessere Raps, bessere Produktion, bessere Samples: Die Angst vor dem schwarzen Planeten zog bereits am Horizont herauf. Die dringliche Melange, die gemeinsam mit Rick Rubin für dessen Label Def Jam entstand, hallte lange nach und wurde zur Blaupause einer musikalischen Protestkultur, die einen noch heute die Faust recken lässt. Die Themen und deren musikalische Umsetzung von Public Enemy sind heute aktuelle denn je. Martin Raabenstein und Thaddeus Herrmann überprüfen das Album 30 Jahre später auf die vermaledeite Authentizität, jetten zwischen der Ost- und Westküste hin und her und stellen schließlich die Fragen aller Fragen: Was denkt wohl Kendrick Lamar über „Bring The Noise“?
Martin Raabenstein: Besser kann es ja gar nicht passen. Nach Talk Talk erneut derselbe Begriff – Authentizität. Andere Lesart, komplett gegenteilige Baustelle, Blackness als politischer „It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back“ ist nicht die erste klar gerichtete Botschaft – auch Gil Scott-Heron, Grandmaster Flash and the Furious Five hatten alle schon den Zeigefinger oben. Mit diesem Album aber kommt die dicke Welle, das Statement wird laut und rauher. Schon allein der Bandname ist Programm: „The Black man is definitely the public enemy“. Das ist keine Beastie-Boys-Partymucke, hier kochen die Kessel.
Thaddeus Herrmann: Wir wollten Authentizität doch als Unwort im Schrank lassen! Ich kann das auch schlecht bis gar nicht einschätzen, weil mir die Historie des HipHop einfach abgeht – ich kenne mich nicht aus. Das Album ist jedoch mit seiner In-Your-Face-Attitüde ein großer Wurf. Was ziemlich bemerkenswert ist, weil der Vorgänger – nur ein Jahr zuvor erschienen – längst nicht so weit ist. Da klingt Chuck D eher wie ein nölender Beastie Boy, der noch nicht so recht weiß, wie das alles werden wird. Auch die Produktion ist vergleichsweise lahm. Rick Rubin scheint sich hier einen neuen Kompressor zugelegt zu haben. Gute Entscheidung. Details »
Published on 16/07/2018 13:09.
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Talk Talk – Spirit Of Eden (1988)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 27.06.2018
Auf diesem Album warfen Mark Hollis, Paul Webb, Lee Harris und Produzent Tim Friese-Greene alle Zweifel über Bord, kehrten das Innerste nach Außen und setzten dem „Prinzip Talk Talk“ eine stille und berührende Krone auf. Dass sich die Band, die mit Songs wie „Such A Shame“, „Living In Another World“ oder „Life’s What You Make It“ der Popwelt Momente der Bedeutsamkeit geschenkt hatte, auf dem Weg in die musikalische Meditation befand, war abzusehen. Doch die sechs Stücke auf „Spirit Of Eden“ hallen bis heute, 29 Jahre und zehn Monate nach der Veröffentlichung, auf beeindruckende Art und Weise nach – kraftvoll und einzigartig. Martin Raabenstein und Thaddeus Herrmann sind sich einig wie selten, beamen sich in das Aufnahmestudio, legen sanft das Kinn auf Mark Hollis’ Schulter und summen leise mit: „Take My Freedom For Giving Me A Sacred Love.“
Martin Raabenstein: Von „It’s My Life“ zu „Spirit Of Eden“ ist es ein langer Weg. Jedoch: Gerade mal vier Jahre liegen dazwischen. Was für eine Entwicklung.
Thaddeus Herrmann: Wir sind ja hier quasi live dabei, wie eine Band zerfällt. „Spirit Of Eden“ – das ist ja vor allem nur noch das Zusammenspiel von Mark Hollis und Tim Friese-Greene, der später zu Talk Talk dazugestoßen war. Paul Webb und Lee Harris spielen noch mit, werden aber wie die zahlreichen anderen Gäste vom Kreativ-Duo dirigiert. Über die Gründe dieses doch schnellen Wandels im Sound kann ich nur spekulieren. Das Album ist das Ergebnis endloser Jams, die dann zu Stücken verarbeitet wurden. Keine Konzerte, nur ein Video, das Hollis scheiße fand. Künstlerische Evolution vs. Verweigerungshaltung dem Pop-Business? Was meinst du? Was wiegt schwerer? Details »
Published on 29/06/2018 09:47.
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Chic – C’est Chic (1978)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 14.05.2018
Chic, das Projekt von Nile Rodgers und Bernard Edwards, steht musikhistorisch für mehr als Disko und Dancefloor. Aber auf der Tanzfläche scheiden sich die Raabenstein’schen und Herrmann’schen Geister immer wieder besonders fulminant. Unter der so wunderbar gleichmäßig gepunkteten Diskokugel des Vergessens hören die beiden „das Album mit ‚Le Freak’“. Ein Gassenhauer, der der LP „C’est Chic“ nicht wirklich gerecht wird. Es kommt, wie es kommen muss: Erst kriegen die Pet Shop Boys aufs Maul, und dann verlieren sich die Spuren im Swimmingpool vor dem Berghain.
Martin Raabenstein: „C’est Chic“ war mehr als nur Disko, eher eine verruchte Änderung der Zeitform, sexualisiertes Futur II: „Wir werden viel Spaß gehabt haben“, das definitive Versprechen also. „I Want Your Love“ drückte keinen Wunsch aus, sondern eine schon im Hier und Jetzt vollzogene Zukunft. Die Babyboomer wackelten sich 70er-like in ihre unkeusche Visionen. Disko hatte 1978 zwar schon ein paar Jährchen auf der Rille, dennoch, heißer Scheiß hier, ein wirkmachtsicherer Feuchtigkeitsspender zur Dauerbespielung.
Thaddeus Herrmann: Dabei klingt es ja aus der heutigen Sicht – also der Zukunft von damals – gar nicht sonderlich aufregend oder anders. Dieses Album beschreibt für mich zunächst ein fast perfektes Cocooning. Es geht also um die Erschaffung eines Raumes, vielleicht sogar eines Paralleluniversums, in dem alles mehr als perfekt wattiert und ausgeleuchtet ist. Wer hier auf der Gästeliste steht, darf sich glücklich schätzen. Muss aber auch den Regeln folgen, sich darauf einlassen, was hier vorgegeben wird. Genau das gelingt aus der heutigen Zukunft natürlich kinderleicht, weil viele der Dinge, die auf dem Album entschieden wurden, mittlerweile Kanon sind. Schon wieder so eine Referenzmaschine. Was interessant ist, weil abseits der Tracks, die heute Gassenhauer sind, es eher die subtilen Nuancen sind, die adaptiert wurden. Ich meine: Wo wären die Pet Shop Boys jemals angekommen ohne diese Streicher-Sounds?!
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Published on 15/05/2018 11:01.
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Harold Budd – The Pavilion Of Dreams (1978)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 02.03.2018
Harold Budd gilt als Weggefährte von Brian Eno und prägender Mitstreiter in Sachen Ambient. Dabei ist er überhaupt kein Fan dieses Begriffs, schon gar nicht, wenn es um seine eigene Musik geht. Geboren 1936 in Los Angeles, spielte er schon als Jugendlicher Schlagzeug in den Jazz Clubs South Centrals, belegte schließlich einen Kompositionskurs am College, identifizierte sich mit der Haltung von John Cage in Bezug auf die Künste und begann eigene Werke zu komponieren. Das Album „The Pavilion Of Dreams“ markiert seinen Wiedereintritt in die Musik – zuvor hatte er jahrelang pausiert, weil ihm seine eigene Rolle im kompositorischen Prozess nicht mehr ausreichte. Heute kennt man Harold Budd vor allem für seinen ganz eigenen Stil am Piano, den er auf zahlreichen Soloplatten, aber auch mit Brian Eno, den Cocteau Twins oder Robin Guthrie seit den frühen 1980er-Jahren immer weiter verfeinert hat. Mit dem für ihn typischen Soft-Pedal hinter viel Hall hat dieses Album hier aber rein gar nichts zu tun. Auch 40 Jahre nach dem Erscheinen ist es schwer, diese Platte wirklich einzuordnen. Nicht nur, weil viele wichtige Größen aus der Musikwelt hier mitspielen, wenn auch zum Teil nur als Statisten. Brian Eno scheint zu spüren, dass das hier etwas Besonderes ist. Warum sonst hätte er sich als Produzent groß auf das Cover geschrieben? Raabenstein und Herrmann sammeln die Stolpersteine, die das Album und seine Geschichte haben, von der Zeitachse auf und fangen da an, wo man in so einer Situation eben anfängt: bei Ambient und Raumschiff Enterprise.
Martin Raabenstein: „This is only pretty, don’t look for any meaning.“ Wundersames Understatement des Künstlers zu seinem Album oder fein durchdachte, konzeptuelle Grundidee eines ganzen Genres, des Ambient?
Thaddeus Herrmann: Lustigerweise will Budd ja nicht als Ambient-Künstler wahrgenommen werden. Viel Glück dabei, der gute Mann ist mittlerweile über 80, da kann er ja noch ein paar Piano-getupfte Pamphlete verfassen. Dieses Album markierte damals seinen Wiedereintritt in die Musik. Er hatte Komposition studiert, sich in der Minimal Music verloren und irgendwann das Interesse verloren. Dann kommt er mit diesem Album wieder auf die Bildfläche – 1978. Mich erinnert die Musik ja an Raumschiff Enterprise, an diese wenigen Folgen, in denen Kirk, Spock und Co. sich auf Planeten runterbeamen, die einem stilisierten Paradies ähneln, die Menschen oder Lebewesen aber nur Böses im Sinn haben. Wenn man sich dort am sprudelnden Brunnen traf, dann lief so ein Sound. So grell wie schlecht belichtetes Technicolor. Total irre.
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Published on 15/05/2018 10:53.
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The Beatles – The White Album (1968)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 01.02.2018
Was folgt auf eine ausgedehnte Meditationszeit in Indien? Natürlich ein Doppelalbum. Die Beatles hatten in den späten 1960er-Jahren ordentlich zu tun: Aus ihrer Musik war längst ein big business geworden, das man in die eigenen Hände genommen hatte. Es wurde gestritten und experimentiert – ein ewiger Kampf der Egos, bei dem mehr kaputt ging, als sich hinterher noch flicken ließ. Zwei Jahre später hieß es nur noch „Let It Be“. Doch hier versammelt die Band 30 Songs, von denen viele in das popkulturelle Unterbewusstsein eingesickert und eine deutlich längere Halbwertzeit aufweisen als die Schrammel-Schlager aus der Pilzkopf-Zeit. Und dann ist da noch Yoko Ono. Alles nicht ganz einfach – oder etwa doch? Raabenstein und Herrmann lassen ihre die Finger über den Prägedruck des weißen Covers gleiten und hören nach.
Martin Raabenstein: Ich würde gerne mit einem Video einsteigen.
Thaddeus Herrmann: OK, was schauen wir?
Martin: Über die Aufnahmen zum Album „The Beatles“ sind viele Geschichten unterwegs. Vor allem die Rolle Yoko Onos bei der Trennung der Fab Four war damals noch, heute vielleicht nicht mehr so sehr, Anlass zum Aufschrei. Betrachtet man in Ruhe den Auftritt von Lennon und Ono bei Dick Cavett ein Jahr nach dem Ausscheiden Lennons, lassen sich einige interessante Details beobachten. Der Erfinder der nach ihm benannten Brille wirkt locker und entspannt, tatkräftig und voller Ideen. Ob Ono das Fass zum Umkippen brachte oder nicht, ist gar nicht so sehr von Belang, vielmehr stellt sich die Frage, was sie dem Mann, der meinte, er sei bekannter als Jesus, zu bieten hatte. Was veranlasst einen Endzwanziger, lieber mit seiner Frau weiterzuziehen, als mit den Buddys im Studio zu werkeln?
Thaddeus: Fangen wir doch mal einen Schritt vorher an. Bei den Beatles gab es im Studio seit jeher ein Freundinnen-Verbot. Das war Lennon dann mit Yoko egal, beziehungsweise Yoko ist einfach mitgekommen. Was weiß ich. Das führte zu Irritationen, die in dieser Phase der Band natürlich besonders dramatisch waren, weil sich die Jungs ja eh schon nicht mehr sonderlich verstanden und alle eher ihr eigenes Ding machen wollten. Man liest schlimme Dinge über die Entstehung des „White Album“. Man war gemeinsam meditieren, und John und Paul haben Songs geschrieben. Aber dann sind alle wieder solo abgereist und haben dann in drei Monaten dieses Album zusammengestochert. Sogar Produzent George Martin nahm sich währenddessen eine Auszeit und Ringo stieg kurzfristig ganz aus. Dafür klingt das Album dann doch ganz gut gelaunt.
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Published on 15/05/2018 10:30.
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Alva Noto – Xerrox Vol.1 (2007)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 15.12.2017
Carsten Nicolai ist einer der wichtigsten Künstler der Jetztzeit. Auch, weil er sich nicht auf eine Disziplin festlegen will und kann und sie oft genug sowieso miteinander ganz bewusst vermischt, mal gegeneinander antreten lässt, mal in Einklang bringt. 2007 startete er sein „Xerrox“-Projekt. Angelegt auf insgesamt fünf Teile – drei davon sind mittlerweile veröffentlicht –, steht der Vorgang des Kopierens im Mittelpunkt. Found Sounds werden so lange durch den digitalen Häcksler geschickt, bis sie ihre eigene Identität gefunden haben und sich ihr Ursprung nicht mal mehr von Frequenz-affinen Anthropologen nachweisen oder rückverfolgen lässt. „Xerrox Vol. 1“ gilt als Meisterwerk, auf dem Nicolai schon vor zehn Jahren den geloopten Algorithmen genau den Freiraum einräumte, den sie heute im Klammergriff der großen Technologie-Firmen gerne hätten. Raabenstein und Herrmann begeben sich ein letztes Mal in die Zeitmaschine, deren Zieljahr immer mit „7“ endet. Im kommenden Jahr dreht sich dann alles um die Endziffer „8“.
Martin Raabenstein: „Xerrox“ ist ein, so Carsten Nicolai aka Alva Noto, Sample Transformer, gebaut von Christoph Brünggel. Diese Maschine verarbeitet Aufnahmen von Flughäfen, Anrufbeantworter-Schleifen, Atmos aus Hotels usw. Nicolai vertritt im Pressetext zum Release die These, dass in unserer sich konstant selbst vervielfältigenden Welt die Kopie, sooft sie auch multipliziert und dabei immer wieder zerstückelt wird, immer noch einen Teil des Ausgangsmaterials enthält. Von dieser Idee ausgehend stellt er mit seinem Konzept den Begriff des Originals auf den Kopf. Indem er bei der maschinellen Reproduktion tonaler Ereignisse die Mutation nicht nur zulässt, sondern sie geradezu sucht, behauptet er, die Ergebnisse selbst seien wieder Originale. Angelegt auf fünf Folgen ist dieses vorliegende Album das erste der Reihe. „Xerrox Vol. 1“, zehn Jahre alt – einfach nur mind over matter, oder ist da mehr drin?
Thaddeus Herrmann: Ich trete zunächst mal einen Schritt zurück. Ich hatte die Musik jahrelang nicht mehr gehört und war bei der Vorbereitung ganz außer mir vor Freude. Wie schön diese Platte ist. Warum sie mich so anspringt, ist jedem klar, der meine musikalische Sozialisation kennt. Es sind nur einige wenige Motive, die Nicolai hier fast schon auf Überlänge immer wieder durchexerziert, bzw. wie du schon richtig sagst, durchexerzieren lässt. Ich hatte kürzlich auf einer anderen Baustelle mit den künstlerischen Grundsätzen und Ideen von Nicolai zu tun – da erzählte er diese Geschichte nochmal ausführlich. Welche Rolle für ihn in der DDR damals der Fotokopierer spielte: dieses Gerät, das gleichzeitig vervielfältigt und auch immer leichte Artefakte dazu interpretiert. Genau dieses Prinzip hat er dann mit der Software nachgebaut und sich dabei die technische Überforderung der Maschinen zunutze gemacht. Ein konstanter „buffer overflow“ also, der ja auch die Rollen zwischen Schöpfer und Produktionsmitteln neu definiert. Mit dieser Idee war er sicher nicht der erste. Und es es ist mir eigentlich auch egal. Denn selbst, wenn er jedes Geräusch, jeden Ton minutiös selbst geplant und komponiert hätte, wäre mein Urteil das Gleiche: unglaublich gutes Album. An wen erinnern dich die melodischen Motive? Also das, was hinter dem Rauschen passiert?
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Published on 14/05/2018 18:00.
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Burial – Untrue (2007)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 27.11.2017
Wer ist eigentlich dieser Burial? William Emmanuel Bevans betrat 2005 als Anonymous die musikalische Bildfläche. Kein Klarname, so gut wie keine Interviews, keine Fotos. Wenn das Internet nicht weiterhilft, bleiben nur die Beats. Und die machten Burial schnell zum ästhetisch-musikalischen Testamentsverwalter der britischen Rave-Kultur. Die Tracks von Burial sind durchströmt von einer dick wattierten und dabei umso analytischeren Sicht auf das, was den britischen Dancefloor immer wieder so einzigartig und relevant gemacht hat. Herausgelöst aus der lähmenden Zeitachse und abstrahierend neu kontextualisiert für eine Zukunft, in der es keine Vergangenheit mehr gibt. Diese Zukunft ist heute – zehn Jahre nach der Veröffentlichung seines zweiten Albums „Untrue“ – angebrochen. Zeit für einen Realitäts-Check. Ist der Klassiker wirklich einer?
Martin Raabenstein: Burial. Der Name allein ist ein Mythos. Beim Neustart unserer Reihe im Januar war der schon im Spiel. Der Remix des Beatles-Klassikers „A Day In The Life“ musste gar nicht aus William Emmanuel Bevans Hand kommen, völlig egal, allein das Munkeln um seine mögliche Autorenschaft war ausreichend, den Track ehrfürchtig in alle Ohren zu drehen.
Thaddeus Herrmann: Die Verschleierungstaktik ist ein entscheideneds Stichwort, denn eigentlich war diese Masche ja zu diesem Zeitpunkt bereits durch – kalter Kaffee einer White-Label-Kultur, die es so gut wie nicht mehr gab. Enigmatische Lichtgestalten ziehen aber offenbar immer dann, wenn der begleitende Sound eine bis ins Absurde perfektionierte Post-Alles-Angelegenheit ist. Genau das ist Burial ja, bzw. dafür steht er mit seiner Musik. Es ist ein sperrangelweit offenes Fenster in eine Wunschvorstellung des Dancefloor. Die Garage-Beats rumpeln, bzw: Der Garage-Beat rumpelt, denn mehr als ein Pattern hat er ja nicht drauf. Muss er auch gar nicht, denn natürlich geht es bei Burial vor allem um Sound. Und Design. Details »
Published on 14/05/2018 17:52.
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Godspeed You Black Emperor! – F♯ A♯ ∞ (1997)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 08.11.2017
Eine der wichtigsten Gitarrenbands der Neuzeit veröffentlichten 1997 ihre vielleicht wichtigste Platte. Wobei: Band ist bei Godspeed You! Black Emperor eigentlich das falsche Stichwort. Das kanadische Kollektiv zog und zieht auch heute noch in Kammerorchester-Größe mit stetig wechselnder Besetzung durch Studios und Konzerthallen. Phänomenal orchestriert, arrangiert wie ein DJ-Mix, verwurzelt in der prekären Realität der Weltpolitik und randvoll mit musikalischen Ideen, die noch heute zur Standardausstattung vieler Bands gehören, begründete die Gruppe mit diesem Album ihren ganz eigenen Sound aus Rock, Drone, Prog und Sampling-Ambient, der seither kontinuierlich bei Godspeed und in anderen Projekten weiter entwickelt wird. Und 20 Jahre nach der Veröffentlichung immer noch den gleichen Eindruck hinterlässt? Martin Raabenstein und Thaddeus Herrmann friemeln das Vinyl aus dem Goodiebag-Cover und schweben mit.
Martin Raabenstein: Siebziger und Neunziger, aus meiner Sicht die wahrhaft innovativen Jahrzehnte der Musikgeschichte. „F♯ A♯ ∞“ öffnet wunderbare neue Türen, eine nicht enden wollende Melange aus bis dato unvereinbar erscheinenden Styles. Vor allem die Prog-Rock-Anklänge müssten dir doch die Schuppen aus den Achseln wischen, oder?
Thaddeus Herrmann: Ich habe mich dieser Platte aus einer ganz anderen Position heraus genähert, weil – wie du schon richtig erkannt hast und weißt – Prog in meinem Leben nie eine Rolle gespielt hat. Aus meiner verpoppten Indie-Perspektive war dieses Album außerordentlich interessant. Weil ich mich zu diesem Zeitpunkt auch noch nicht wirklich mit dem, was dann später Post-Rock oder so ähnlich genannt wurde, auseinandergesetzt hatte. Das war also schon neu. Label? Kannte ich nicht. Leute? Kannte ich nicht. Ich mochte vor allem die darken, ruhigen Passagen. Wie das schon losgeht: „The car is on fire, and there’s no driver at the wheel, And the sewers are all muddied with a thousand lonely suicides, And a dark wind blows.“ Das ist heute noch genauso. Ist schon ein wilder DJ-Mix.
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Published on 14/05/2018 17:45.
Filed under: Allgemein, Archiv 2017 Tags: 1997, das filter, F♯ A♯ ∞, godspeed you black emperor!, martin raabenstein, Review, rewind, thadeus herrmann
Rewind: Klassiker, neu gehört
Autechre – Chiastic Slide (1997)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 20.10.2017
Irgendwann muss sich jede Band mal entscheiden, wie die Zukunft klingen soll. Im Falle von Autechre und den beiden Musikern Sean Booth und Rob Brown lässt sich der Beginn dieser Periode ziemlich exakt auf 1995 bestimmen. Vorbei war das Schwelgen in üppigen Melodien und mehr oder weniger sanften Beats. Der Sound der beiden Manchesteraner, die zu diesem Zeitpunkt mit „Incunabula“ und „Amber“ zwei stilprägende LPs auf Warp veröffentlicht hatten, mäanderte fortan in immer abstrakteren Gefilden – eine Entwicklung, die noch lange nicht abgeschlossen scheint. 1997 zeigt die Band am Scheideweg. Noch kann man sie hören, die Wärme früher Produktionen, die Liebe zu Chords und den Hang, das Filter für das Extraquäntchen Euphorie beherzt aufzudrehen. Aber: Dieses Gerüst wird schon hier scharfkantig kontrastiert von Beats, Strukturen und Tempi-Wechsel, die mit althergebrachten Schaltkreisen so nicht möglich gewesen wären. Als würden zwei Welten aufeinanderprallen, steht „Chiastic Slide“ gleichwohl für Abschied und Neubeginn, für die Vergangenheit und die Zukunft, für die sich jede Band eben irgendwann entscheiden muss. Wie die sich heute schlägt, klären Martin Raabenstein und Thaddeus Herrmann.
Martin Raabenstein: Cooler Scheiß. Macht man so heute auch nicht mehr. Streiche ich mir im Kalender an, den Tag, an dem ich mal sowas sagen würde. Das ist aber auch die letzte Autechre-Scheibe, die man so einfach ohne Paracetamol 600 genüsslich hören konnte.
Thaddeus Herrmann: Ich habe mal irgendwo gelesen, dass Sean Booth und Rob Brown ihre ersten beiden LPs – „Incunabula“ und „Amber“ – heute eher kitschig finden. Empfinde ich natürlich ganz anders. Aber doch passierte danach ein Bruch. „Tri Repetae“ von 1995 und diese hier definieren den Sound der Band neu. Und sind beide noch so produziert, dass das Alte und das Neue miteinander harmonieren. Wir haben also die Melodien von früher und die Beat Science, die immer mehr von den technologischen Entwicklungen bestimmt wird. Weg von der klassischen Hardware, vom Drumcomputer, hin zur Software, zu MAX/MSP, bestimmt auch zu eigenen Patches. „Chiastic Slide“ ist also der zweite Schritt dieser Transformation, hier klingt alles schon deutlich abstrakter, ist aber auch sehr HipHop, was wiederum gut in die Zeit damals passt. Es gab zahlreiche Labels und Künstler, die sich an diesem digitalen B-Boy-Zeug abarbeiteten. Und nicht nur die Tracks von Autechre funktionieren heute noch gut. Man sagt ja immer gerne, Techno sei so wichtig, weil die Produktionsmittel plötzlich demokratisiert wurden. Die eigentliche Demokratisierung war aber der Laptop. Und Autechre haben den erfunden.
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Published on 14/05/2018 17:37.
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Rewind: Klassiker, neu gehört
Photek – Modus Operandi (1997)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 09.10.2017
Rupert Parkes gilt als einer der größten Dons des Drum and Bass überhaupt. Ob als Aquarius, Special Forces, Studio Pressure, The Sentinel oder als Photek: Parkes prägte in den 90ern den Umgang mit Breaks und Bass wie kaum ein anderer. Auf Metalheadz, Good Looking, Certificate 18 und seinem eigenen Label hat er ebenso veröffentlicht, wie auf Science, einem kuscheligen Autoren-Label, mit dem Virgin ein Stück des Hype-Kuchens abbekommen wollte. Hier erschien 1997 sein Album „Modus Operandi“ – ein Meilenstein der immer weiter auseinander driftenden UK-Szene. Photeks Umgang mit Breakbeats in dieser Zeit war einzigartig. Der Amen? Vergessen. Statt offensichtlicher Abfahrt widmete sich Parkes der punktgenauen Sezierung von Sounds in technologisch vollständig entkernten Rohbauten der musikalischen Erinnerungen. Genau die waren bei Photek immer speziell. Niemand wechselte so schnell zwischen asiatisch geprägter Sample-Kultur und einer tiefen Verbundenheit zur Techno-Ästhetik Detroits und Sheffields hin und her. Ein reißender Strudel, in den man nicht nur freiwillig hineinsprang, sondern in dem man auch nur zu gerne unterging. Und heute? 20 Jahre später machen Martin Raabenstein und Thaddeus Herrmann die Probe aufs Exempel. Verteilt auf drei schwergewichtige 12“s dreht sich „Modus Operandi“ erneut.
Thaddeus Herrmann: Wir schreiben das Jahr 1997 und Drum and Bass? Schon sehr unentschieden, bzw. sehr weit verzweigt. Rupert Parkes hatte zu diesem Zeitpunkt schon viele prägende und wichtige Platten veröffentlicht, die sich vor allem dadurch auszeichneten, dass sophisticated auch rollen kann. Rollen muss. Auch er hat sich natürlich – wie alle anderen – am Amen-Break abgearbeitet und ihn bis auf die molekulare Ebene gechoppt. Aber am besten fand ich Photek immer, wenn er den Smasher beiseite gelegt und sich auf andere Breaks gestürzt hat. Zum Beispiel hier, auf seinem ersten Album. Ein großer Techniker!
Martin Raabenstein: Großer Techniker und absolut begnadeter Minimalist. Wer wissen will, wie man aus etwas ganz Kleinem etwas ganz Großes drehen kann: Hier ist die Goldmine. Klingt wie gestern frisch gepresst, die Platte, wäre fein, wenn dem so wäre – oder?
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Published on 14/05/2018 17:29.
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Rewind: Klassiker, neu gehört
The Housemartins – The People Who Grinned Themselves To Death (1987)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 21.08.2017
Eine komische Band, manchmal auch im wahrsten Sinne des Wortes. Nur zwei Jahre lang – von 1985 bis 1987 – veröffentlichten The Housemartins Musik. Vier Jungs aus Hull im Nordosten Englands – Paul Heaton, Stan Cullimore, Hugh Whitaker (hier schon nicht mehr dabei und ersetzt durch Dave Hemmingway) und Norman Cook. Was vorne heraus zum Großteil wie La-La-Gitarrenpop wirkte, hatte textlich Biss und gerade auf den B-Seiten ihrer EPs auch musikalische Tiefe und Überraschungsmomente. Wer in der Zeit aufwuchs, in der das englische MTV plötzlich in deutsche Kabelnetze eingespeist wurde und die Popkultur einen visuellen Ruck machte, erinnert sich noch gut an das Video zu „Caravan Of Love“, einem Cover der Isley Brothers. A Capella vorgetragen, im Mittelgang der Kirche kriechend und predigend von der Kanzel hinab: der einzige Nummer-1-Hit der Band, die sich schon mit dieser zweiten LP wieder von der Bildfläche verabschiedete. Sänger Heaton gründete „The Beautiful South“, Norman Cook machte erst „Beats International“ und wurde dann zum Fatboy Slim. Herrmann & Raabenstein setzen ihre leicht angestaubten Indie-Brillen auf und drehen vorsichtig laut. Denn in der Lounge des britischen semi-detached house sind die Wände dünn, das Bier ist warm und das Acid knapp.
Martin Raabenstein: Ohne Vorbereitung heute, höre das Album zum ersten Mal wieder seit den Achtzigern. Sofortige, positive MTV-Memories. Das hier sind deine Pop-Wurzeln?
Thaddeus Herrmann: Auf jeden Fall. Ich habe die Band wie viele andere damals in meiner Hood auch bei MTV entdeckt, „Caravan Of Love“ lief da ja rauf und runter, „Happy Hour“ auch, da habe ich mal die LP gekauft. War super. Leider habe ich damals das Konzert in Berlin verpasst. Das fand im Loft statt, diesem Indie-Club im damaligen Metropol. Ich war am gleichen Abend genau dort, im Metropol, weiß aber nicht mehr, wer da gespielt hat. Das war der einzige Gig der Housemartins ever in Berlin, wenn mich nicht alles täuscht. Egal. Wir wollen ja über die zweite LP sprechen. Die ist ja schwierig, sagt die Pop-Kritik. Details »
Published on 14/05/2018 17:22.
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Rewind: Klassiker, neu gehört
Prince – Sign O’ The Times (1987)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 31.07.2017
Es muss ein hartes Stück Arbeit gewesen sein. Als Prince 1987 sein siebtes Album veröffentlichte, hatte er sich zuvor von seiner Band getrennt und gleich drei andere Platten verworfen. Es sollte das Magnum Opus werden, die Essenz dessen, an was sich Prince Rogers Nelson zuvor abgearbeitet hatte. Nur auf Druck der Plattenfirma kürzte er „Sign O’ The Times“ schließlich – als sein bestes Album gilt die Platte dennoch. Keine Überraschung, dass es danach mit der Karriere des Musikers kompliziert wurde. Martin Raabenstein ist nach wie vor Feuer und Flamme, auch wenn hier „schlimmste Maul- und Klauenseuche“ drauf ist. Und Thaddeus Herrmann findet hier den einzigen Prince-Track, der ihm etwas bedeutet. Was kann das Zeichen der Zeit von 1987 drei Dekaden später noch? Und was hat Michael Jackson mit Stefanie Tücking zu tun? Rewind!
Martin Raabenstein: Genreüberschreitender Black Music God, egozentrische Style-Ikone oder ewig nervendes, zwergwüchsiges Froschmännchen, dessen Wunsch, endlich seine fehlenden 29 Zentimeter draufgeküsst zu bekommen, nie erhört wurde. Und dann auch noch gemeinsam mit so vielen anderen Super Heroes brav in einer Reihe letztjährig mitverstorben – heute geht es um Prince und sein Album „Sign O’ The Times“. 30 Jahre, Thaddi, du als der richtig tief durchdrungene Prince-Fan feierst also mit allem, was dazugehört kräftig mit?
Thaddeus Herrmann: Voller Respekt für eine Baustelle, auf der ich nie angeheuert habe. Aber: Das Titelstück ist der einzige Prince-Track, mit dem ich so richtig etwas anfangen kann. Der ist herrlich klar. Tolles Video auch! Prince ist mir generell zu wuselig. Und ich komme auch mit seinen Grooves in der Regel nicht wirklich hin.
Martin: Da ist zwar Funk drin, aber die extensiv genutzte LinnDrum macht das doch eher gerade. Was verwirrt dich? Wo ist der Wusel?
Thaddeus: Ich bin nicht wirklich verwirrt, es berührt mich nicht sonderlich. Das ist geradezu ein Sound-Dickicht, in dem ich mich nicht zurecht finde. Alle Musiker sind voll am Start und machen ihr Ding und vorne steht der Prince und macht noch mal extra Yeah! Das ist mir zu viel. Leider. Details »
Published on 14/05/2018 17:13.
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Rewind: Klassiker, neu gehört
Depeche Mode – Music For The Masses (1987)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 19.07.2017
Der Titel ist Programm: Mit „Music For The Masses“ wurden Depeche Mode endgültig zum Phänomen der Popmusik. Die sechste LP der Band streicht auch das letzte bisschen Teenie-Gekreische aus dem Sound, „Never Let Me Down Again“ ist einer der größten Hits ihrer Geschichte überhaupt und ganz Amerika lag fortan Martin Gore, Dave Gahan, Andrew Fletcher und Alan Wilder zu Füßen. Ist „Music For The Masses“ nun ein prägendes Stück der Musikgeschichte? Thaddeus Herrmann ist als Fanboy vorbelastet, findet an der Platte aber dennoch Makel. Und Martin Raabenstein spricht von der vulgären Banalität des Mittelmaßes. Der musikalische Retro-Roundtable ist in den 1980ern angekommen.
Thaddeus Herrmann: Da ich ja weiß, wie sehr du meine Lieblingsband magst, ordne ich dieses Album zunächst mal ein. „Music For The Masses“ ist die Platte, die die Band final groß machte. Wäre Depeche Mode eine Firma, wäre das Album ihr Börsengang. Am Ende der angeschlossenen Welt-Tournee spielten sie vor 4.576 Millionen Menschen im Rose Bowl in Pasadena. Die Platte war vor allem für den Durchbruch in den USA entscheidend. Das ist interessant, weil ich zumindest gar nicht so recht nachvollziehen kann, warum es gerade diese Songs sein mussten. Als Album nehme ich das heute doch eher unentschieden war. Hier finden sich zwar einige der größten Hits der Band – allen voran natürlich „Never Let Me Down Again“, aber auch „Strangelove“ und „Behind The Wheel“, dann sind hier aber auch Tracks drauf, die so gar nicht ins Bild einer Hit-Platte passen wollen. Dazu kommt, dass gerade „Strangelove“ und „Behind The Wheel“ in wirklich schlechten Versionen auf dem Album sind. Warum? Weiß man nicht. Aber: Es ist dennoch eine bemerkenswerte Platte. Es ist die erste, die die Band nach vielen Jahren nicht mehr in Berlin gemischt hat. Es ist auch die erste Platte, die nicht mehr vom Label-Boss Daniel Miller produziert wurde. Zum ersten Mal hört man Gitarren auf mehr als einem Track. Es ist auch der Beginn der „Dance-Remixe“, „Behind The Wheel“ wurde von den Beatmasters gemixt und im Zuge der Veröffentlichung gibt es auch die erste Cover-Version ever der Band: „Route 66“. So. Pause. Wie findest du die Platte denn so?
Martin Raabenstein: Wenn man Musik für die Massen macht, kann man natürlich auch erwarten, dass diese Massen brav ihr entsprechendes Gadget schwenken. Früher konnte man mit diesem Tool Zigaretten anzünden, heute ist das Smartphone der Beweis für die Freundin, dass man auf einem Konzert war und nicht bei deren Schwester. Also wedelt man damit. Das fühlt sich an wie WM-Endspiel, nur ohne Fußball. DM sind wie diese Massenveranstaltungen, 1981 aufgetaucht und dann nie wieder gegangen. Als MTV so gegen ’87 anfing, den Fernsehabend zu verzücken, waren sie auch da. Ok. Hier also das Album zu den Clips von damals.aktiviere JavaScript, falls es in deinem Browser deaktiviert sein sollte. Details »
Published on 14/05/2018 17:05.
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Rewind: Klassiker, neu gehört
Talking Heads – 77 (1977)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 16.06.2017
Lange bevor sich die Talking Heads auf die „Road To Nowhere“ begaben, rüttelte ihr Debüt an vielen Theken Drinks plötzlich andersrum. „77“ ist ein wichtiges Album, nicht nur für die Karriere von David Byrne und seinen Mitstreitern. Der Urknall einer Band, bevor sie von Brian Eno gekapert wurde. Thaddeus Herrmann versucht sich der Platte mit der Rezeptionsbrille des Spätgeborenen zu nähern, Martin Raabenstein erklärt die Nightlife-Regeln der 70er. Derweil sind die Leinen schon los: Der Retro-Roundtable steuert auf die 80er zu.
Martin Raabenstein: Das ist jetzt schon die dritte Platte aus den Siebzigern. Ein Jahrzehnt zu früh für dich, wie ich weiß. Und noch nicht mal von Brian Eno produziert, dafür sind wir wiederum ein Jahr zu früh. Aber: 40. Geburtstag. Also!
Thaddeus Hermann: Es ist aber die erste der drei Platten, zu deren Protagonisten ich keinerlei Beziehung aufgebaut habe und mich rückwirkend mit ihrem Werk beschäftigt habe. Natürlich kenne ich die Hits der Talking Heads, natürlich habe ich ein Buch von David Byrne im Schrank, obwohl ich es, glaube ich zumindest, nie wirklich gelesen habe. Das ist eine Band, bei der ich nie das Bedürfnis hatte, nachzuhören. Und der erste Track erklärt auch gleich warum. Puh, vorbei. Also. 1977. Ich bin fünf. Immer noch sozusagen. Und da kommt diese Platte raus. Warum eigentlich?
Martin: Die Briten und immer wieder diese Briten, ganz einfach. Man muss ja in den USA schwerst Pina Colada durch die Ohren gesaugt haben, um nicht mitzubekommen, dass da drüben heftig etwas durch die Wand bricht. Die Amerikaner hatten … die Ramones. Bei denen die Heads auch gleich ihr erstes Konzert abgeliefert haben. Aber nimm zum Beispiel die 1976er-Kompilation „Live From The CBGB’s Club, New York – The Home Of Punk Rock“. Da sind die Shirts drauf. Und Mink De Ville. Ganz nett, ein bisschen zu viel Stones gehört, aber ansonsten: Geht’s noch?
Thaddeus: Wenn dieses Album Underground ist, dann hat man in den USA aber ganz schön gelitten zu der Zeit.
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Published on 14/05/2018 16:56.
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Rewind: Klassiker, neu gehört
Kraftwerk – Trans Europa Express (1977)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 05.04.2017
Bevor aus Kraftwerk Roboter wurden, setzte sich die Düsseldorfer Band in den Trans Europa Express. Und nahm mit dieser Platte 1977 ihr vielleicht wichtigstes Werk überhaupt auf. Der Titeltrack ist ein unbestrittener Klassiker und gilt auch heute noch als einer der wichtigsten Referenzpunkte überhaupt, wenn es um die Entstehung von Electro und Techno geht. Afrika Bambaata sampelte das Stück in „Planet Rock“ und machte die Deutschen so zu Helden der HipHop-Kultur. „Trans Europa Express“ zeigt aber auch erstmals das gesamte Pop-Potenzial der Band, das in den Folgejahren mit den Alben „Die Mensch-Maschine“ und „Computerwelt“ endgültig die Oberhand im Kraftwerk-Sound gewann. Hier jedoch, auf TEE, leben Erbe und Zukunft der Band noch gleichberechtigt nebeneinander. Herrmann und Raabenstein sind sich einig: So gut waren Kraftwerk nie wieder. Das gilt auch 40 Jahre nach der Veröffentlichung.
Martin: In Politik ’ne 6, sprachlich gerade mal eine 5 und die 1 in Musik. So schafft man doch keine Versetzung in die nächste Klasse.
Thaddeus: Aha!
Martin: Okay, von vorne. „Trans Europa Express“ hat nicht mehr die selbstbestäubte Traumsuseligkeit des krautdurchwirkten Vorgängers „Radio-Aktivität“ und liebäugelt noch nicht mit den Giorgio-Moroder-Sequencer-Diskotäten des 77er-Donna-Summer-Stampfers „I Feel Love“ wie später auf „Die Mensch-Maschine“. Aus meiner Sicht ist das Album damit der eigentlich originäre Blueprint des Kraftwerk-Sounds.
Thaddeus: Da kann ich nur zustimmen. Wenn ich mit für eine Kraftwerk-Platte entscheiden müsste, ich würde immer diese hier nehmen. Eigentlich aus genau den Gründen, die du auch anführst. Es ist das stilprägendste Album der Band, ein komplett durcharrangiertes Statement. Mit allen Zutaten, die den späteren Erfolg und die Massenkompatibilität der Band begründet hat, dabei aber noch sperrig und Lo-Fi genug, um nicht in die Gassenhauer-Falle zu tappen. Warum ist das so? Ich will nicht auf den Titel-Track „Trans-Europa-Express“ hinaus, nicht auf dessen Adaption durch die New Yorker HipHopper, auf dieses eine Sample, das die Band nochmal einem ganz anderen Publikum näher gebracht hat. Es sind genau die anderen Tracks, die hier so immens wichtig sind. Wo ich nicht zustimme, ist deine Bewertung des vermeintlich Politischen. Aus der heutigen Distanz finde ich den europäischen Gedanken erstaunlich überzeugend und nachhallend. Das ist rund. Sehr naiv, irgendwie putzig. Aber in seiner Bescheidenheit wahnsinnig groß. Details »
Published on 14/05/2018 16:26.
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Rewind: Klassiker, neu gehört
Brian Eno – Before And After Science (1977)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 15.02.2017
Im Dezember 1977 erschien Brian Enos fünftes Studio-Album „Before And After Science“. Vorbei war seine Zeit bei Roxy Music, der Musiker widmete sich vermehrt dem Sound, den wir heute Ambient nennen. „Discreet Music“ hatte er bereits vorgelegt. Kurze Zeit später sollte „Music For Airports“ folgen, eine Platte, die maßgeblich für den Ruf Enos verantwortlich ist, den er noch heute genießt. Für „Before And After Science“ arbeitete Eno mit zahlreichen Musikern zusammen: seinem ehemaligen Roxy-Music-Kollegen Phil Manzanera zum Beispiel, aber auch Phil Collins, Robert Fripp, Jaki Liebezeit, Achim Roedelius, Freds Frith und Kurt Schwitters. In Enos Diskografie markiert das Album einen Wendepunkt. Vergangenheit und Zukunft treffen in kompakten 40 Minuten aufeinander, einige seiner besten Songs überhaupt inklusive. Herrmann und Raabenstein hören 40 Jahre später einordnend nach.
Martin Raabenstein: Während in England schon die ersten Punks starben, lange bevor der Begriff hier in der Republik überhaupt massentauglich wurde, bringt Brian Eno ein weiteres Vokalalbum. Seine Spiderweb-Spaghetti-Tolle hat er dafür schon kurz über den Ohren gestutzt, damit man besser höre, was denn da noch so kommt. Zeitgleich sind seine ehemaligen Buddies von Roxy Music auf dem besten Wege, das musikalisch schlimmste Jahrzehnt vorzubereiten, das ich kenne, die Achtziger.
Thaddeus Herrmann: Ich muss mich direkt an dieser Stelle aus ZDF-History ausblenden, weil ich mein Kabel-Abo nicht bezahlt habe. Tut mir leid! Spaß beiseite. Das ist eine sehr unentschiedene Platte, finde ich, zumindest geht sie so los. Da rockt das Honky-tonk und alles klingt so gar nicht nach Punk, sondern vielmehr nach Pub Rock. Das gibt sich zum Glück recht schnell, und dann wird das Album auch für mich interessant oder zumindest interessanter.
Martin: Ich hätte da noch härtere Worte als Pub Rock. Diese Southhampton-Pfadfinder’s lustige Wanderlieder sind nie meins gewesen.
Thaddeus: Die ersten beiden Tracks hätten die Jungs damals wirklich weglassen können. „Before And After Science“ finde ich spannend, aber nicht bahnbrechend. Zwei seiner besten Songs aller Zeiten sind hier zu finden, über die sprechen wir bestimmt noch. Man merkt der Platte auch an, dass er parallel bereits an seinen Ambient-Konzepten arbeitete. Details »
Published on 14/05/2018 16:17.
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Rewind: Klassiker, neu gehört
The Beatles – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967)
Das Filter – Gespräch: Thaddeus Herrmann, Martin Raabenstein – 19.01.2017
2017 jährt sich die Veröffentlichung eines Albums zum 50. Male, das vielen Beatles-Fans als einschneidend in der Geschichte der Band gilt: Vorbei die Zeit der Tourneen. Vorbei die Zeit der Anzug tragenden Pilzköpfe, vorbei die Zeit des Rock’n’Roll. „Pepper“ markiert den Beginn einer neuen Phase, die gleichzeitig den Zerfall der Gruppe einläutet. Aus der Band wird ein loser Zusammenschluss von Musikern, die das Studio und dessen Möglichkeiten für sich entdecken. Songs sind nicht mehr nur einfach Lieder, sondern immer auch ein Ausloten des technisch Möglichen. Auf der Zeitachse eingerahmt zwischen „Revolver“ (1966) und „The Beatles“ (1968, dem so genannten „White Album“), ist „Pepper“ ein mitunter unfertig und komisch tönender Hybrid, der zwar ein neues Kapitel in der Geschichte der Beatles aufschlägt, gleichzeitig aber immer noch deren Vergangenheit atmet. Welche Wirkung hat das Album heute, 2017, 50 Jahre nach seiner Veröffentlichung? Martin Raabenstein und Thaddeus Herrmann tauschen LSD und Heroin gegen eine Flasche Rotwein und haben die Originalpressung aufgelegt. Die steht – natürlich – bei Raabenstein im Regal.
Mit diesem Text beleben Raabenstein und Herrmann ihre Kolumne „Rewind“ neu und arbeiten sich in den kommenden Monaten durch die vergangenen Jahrzehnte Platte um Platte gen Gegenwart.
Martin Raabenstein: Stell’ dir vor, dir fällt erst im Alter von 25 auf, dass die Beatles nicht „All you need is bla bla bla“ gesungen haben, sondern tatsächlich „All you need is love“. Während die Deutschen schwer an ihren mangelnden Sprachkenntnissen zu knabbern hatten, haben die Briten da ganz andere Dinge aus „Pepper“ herausgehört. Die BBC hatte die Platte faktisch auf dem Index, da hier offensichtlich Drogen verherrlicht wurden.
Thaddeus Herrmann: Die fiesen Drogen wieder, das passt ja in die Zeit des Niedergangs des Establishments. Jahrhunderte vor Punk, man ist nicht amused, weil die Töchter der White-Hall-Manager verdorben werden. Von so Jungs, die früher immerhin noch anständige Frisuren hatten, aber mittlerweile … naja, sieh dir das Cover an. Musste ja ein Skandal werden. Warum ist das Album eigentlich so wichtig?
Martin: Ich denke, „Pepper“ ist die Matrix für fast alles. Die Beatles konnten bis dahin ja machen was sie wollten: Die Mädels haben geschrien. Wenn die Fab Four die Bühne betraten, war nur noch tosendes Gekreische zu hören, an allen Ecken standen Doktores, die hysterische Teenager beruhigen und manchmal sogar wegtragen mussten.
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Published on 14/05/2018 16:07.
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Wenn der Fuchs die Gans gestohlen hat, gibt er sie nicht wieder her.
Oder etwa doch? Ein Interview mit dem Herrn der Knöpfe Franz Kirmann.
Mit Hilfe intelligenter Technologie und einem weiten musikalischen Horizont bringt der Franzose Francois Kirmann Gamaury aka Franz Kirmann sein Mischpult mächtig zum Glühen. Nicht nur die Blamage bei der letzten Olympiade, auch andernorts lacht die Welt über die Herren der Lüfte, deren sanfte Fingerpantomimen zwar schick anzusehen, bei genauerer Betrachtung allerdings keinen echten Regler berühren. Franz Kirmann ist da deutlich handfester. Ambient, Noise, Modern Classical, Kirmann schiebt mit erstaunlich erfrischenden Ergebnissen alles durch seine Kanäle. Nach dem Auftritt seines Projektes Piano Interrupted im Berliner Radialsystem hatten wir die Chance zu einem Interview.
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Raa – Du gehst mit deinem aktuellen, auf Denovali erschienen Soloalbum „Elysian Park“ auf Tour, Hamburg und Berlin sind die beiden deutschen Stationen. Piano Interrupted, deiner Kollaboration mit dem Pianisten Tom Hodge konnten wir gerade hier im Radialsystem lauschen. Was sind die Gemeinsamkeiten, die Unterschiede dabei?
FK – Da sind grosse Unterschiede. Die „Elysian Park“ Shows sind eher konzeptionell, näher an einer Kunstinstallation mit Live Visuals. Diese sind ein wichtiger Part und meine Performance ist eher ein DJ Set, bei dem ich Teile des Album präsentiere. Bei Piano Interrupted verwende ich den Mixer eher als voll integriertes Live Instrument.
Raa – Was ist deine Rolle bei Piano Interrupted?
FK – Bei diesem Projekt ging es immer um den Dialog zwischen der traditionellen, analogen Welt, hauptsächlich Tom Hodge am Piano und meiner digitalen Bearbeitung davon. Die Interaktion dieser beiden Welten bildet die Kernidee, bei der wir je nachdem andere Musiker hinzubitten, im aktuellen Fall den Kontrabassisten Tim Fairhall. Details »
Published on 28/11/2016 17:36.
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Was vom Sex übrigbleibt.
Ein Trauerspiel.
Besseren Sex, eine gerechtere Welt und Lebensqualität, drei auf vollmundige Weise verknüpfte Allgemeinplätze bilden die Einleitung zu einem Pro-Feminismus-Artikel von Männern für Männer in der „Zeit“. Von Sex ist im weiteren Verlauf der Werbeschrift eigenartigerweise keine Rede mehr. Bei genauer Durchsicht erweist sich die Schrift als viellettriges, aber inhaltstrockenes „How-to-do-it“ für Feminismus Novizen. Warum also Sex hier überhaupt thematisieren? Sind wir auf der falschen Website? Dumme Leute schreiben nicht für diese Zeitschrift, so sagt man, das Dilemma scheint sich hinter mehr als einem tumb nachgebastelten Yellow-Press-Aufmacher zu verbergen.
Sex, der feuchte Angelhaken, der Schock. Sex, die Kampfansage, das kindliche Kichern darüber, die Scham. Sex in allem, in allen und doch so ein Nichtwort. Sex, du tust mir leid. Deiner natürlichen Unschuld so vielfach enthoben, bist du Spielball unendlich diverser Deutungsuniversen. Jeder nutzt, keiner schüzt dich. Keine Struktur, Metapher oder Meta-Botschaft wird dir gerecht, du verkommst zur schlüpfrigen Bananenschale des jeweils Andersdenkenden. Als Opfer deiner ehemaligen, historischen Unkorrektheit bist du hilflos den ausgeweideten Schlachtfeldern politischer Devianz ausgesetzt. Benutzt, beschmutzt, Sex, du bist soweit weg von dir, entkoppelt von deiner eigentlichen Schönheit. Dem körperlichen Akt. Details »
Published on 02/03/2016 13:33.
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Play it again, Sam !!!
Segen und Fluch der Wiederholung.
Zuviel, viel zuviel Gestern im Heute und wenig, bis gar kein Morgen. Die postmoderne Tragödie labt sich nun schon im fünften Jahrzent an der traurigen Leier um Stillstand und Verzagen. Das Neue bedient sich beflissentlich am Alten, der Kreis scheint geschlossen. Zwei Bücher beleuchten nun, wie sich die erschlappte Moderne in den Schwanz beisst.
Zugegebenermaßen, das Kleinkind lernt an Wiederholungen, wächst am Kopieren der Erwachsenen. Was aber, wenn das Kindchen dann selber gross und die x-te Repetition des einst Vielgeliebten zum öden Wiederkau verkommt? Tilmann Baumgärtels Buch „Schleifen. Zur Geschichte und Ästhetik des Loops“ schafft hier Abhilfe. Letzten Sommer erschienen, behandelt die Schrift des Mainzer Medientheorieprofessors künstlerische Auseinandersetzungsstrategien mit der Schleifenform. Das Who-is-who musikalischer Innovation wird hier entsprechend des jeweiligen technischen Entwicklungsstandes vorgestellt. Pierre Schaeffer, Karlheinz Stockhausen, La Monte Young, Terry Riley und Steve Reich übten sich an der freudvollen Wiederholung und sind, so Baumgärtel, die Urväter modernen Musikschaffens. Details »
Published on 24/02/2016 12:15.
Filed under: Allgemein, Archiv 2016
Martin Borowski – Pool.
Diehl Cube, Berlin.
Martin Borowski gibt nicht alles. Als feingeistiger Analyst zeitgenössisch artistischer Spektakel, verweigert er sich und uns die Teilnahme am kreischend inszenierten Feuerwerk seiner künstlerischen Zunft. Borowski gibt nicht alles, weil es dessen nicht bedarf. Warum malen, was andernorts das Auge ersäuft, warum dem in bildnerischer Reizüberflutung treibenden Publikum eine Bildidee hinterher feuern, das dieser derben Kurzweil schon so vielfach erlegen ist?
Borowski scheint ökonomisch, etwas fehlt hier und ist gleichwohl Teil der Bildfindung. Ist der Künstler darum ein Nassauer, ein Parasit, wie so eindrücklich von Michel Serres beschrieben? Setzt er still an der Arbeit Anderer an, ruht wohlig in deren Betriebshitze? Der französiche Philosoph sagt „Parasit sein heisst: bei jemandem speisen“ also von Anderem zehren und eben das trifft hier nicht zu. Details »
Published on 24/02/2016 12:12.
Filed under: Archiv 2016, Auftrag
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Der Mars hat seinen schillerndsten Botschafter verloren.
Die gute Nachricht ist, der stillere von beiden, Brian Eno, lebt noch.
Die wandlungsfähigste Ikone der Popgeschichte ist im Alter von 69 Jahren seinem Krebsleiden erlegen. Chamäleon für die Einen, Gott der Anderen, das musikalische Spektrum David Bowies bildet eine unendlich weite Projektionsfläche individueller Erinnerungskultur.
Der Imagewechsel vom unscheinbaren, bebrillten Liedermacher der End-1960er zum, die Geschlechtergrenzen überschreitenden, den Glamrock clever als Sprungbrett nutzenden Alien der Ziggy Stardust Ära, ist die entscheidende Bewegung und Blueprint für alle weiteren Stilscharaden des Musikers. Das Publikum beklatschte begeistert alle folgenden Wandlungen des Herren, und das waren wahrlich viele. Es ist dabei ein absolutes Phänomen an sich daß Bowie an Popularität nie verlor, trotz vieler durchaus durchschnittlicher, die musikalischen Höheflüge der 70er nicht mehr erreichender Veröffentlichungen. Details »
Published on 12/01/2016 13:07.
Filed under: Allgemein, Archiv 2016
